By Aurélie Chaffin. The Metropolitan Opera: allestimento audace e cantanti meravigliosi. A bold choice of production and wonderful vocalists.

Basata sul libretto del drammaturgo francese Eugène Scribe, La Sonnambula è una delle opere più riuscite di Bellini: il compositore siciliano sfrutta il suo straordinario dono per la melodia e una profonda comprensione della voce umana per raccontare un’enigmatica storia d’amore, tra sogno, realtà, onestà, gelosia e quiproquo.

Una giovane ragazza, Amina, è fidanzata con Elvino e il loro matrimonio incanta tutto il villaggio, tranne Liza, anche lei innamorata di Elvino. La storia sembra conclusa quando arriva il Conte Rodolfo: Amina, inconsapevolmente sonnambula, lo trova di notte e gli parla della gioia che prova a sposarlo, scambiandolo per il suo promesso. Lui finisce per lasciarla sola, per resistere alla tentazione di baciarla, ma la copre con la sua veste: il villaggio, trovandola in questa posizione compromettente, la condanna, ed Elvino rompe il fidanzamento. Sta per sposare Liza quando il Conte torna per rivelare cosa è realmente accaduto, e l’opera si conclude con Amina sonnambula davanti a tutti, in lacrime per la perdita del suo promesso sposo, prima che lui la svegli e le restituisca l’anello di fidanzamento, chiudendo il dramma con una nuova promessa e un lieto fine.

Quest’opera presenta un’interessante nuova svolta alla tradizione del qui pro quo: in questo caso, la comunicazione non può chiarire l’aria, dato che Amina stessa non può spiegare cosa accade, e quindi giustificare la sua innocenza e dimostrare la sua virtù. Permette duetti vocali assolutamente mozzafiato, con un bellissimo contrasto tra la canzone d’amore del primo atto, Son geloso del zefiro errante, che si basa sulla comprensione reciproca e sulla complicità, e il struggente Tutto è sciolto del secondo atto, dove le linee melodiche si separano e non riescono a convergere, portando all’aria di Elvino.

Lawrence Brownlee e Alexandra Nowakowski offrono un’interpretazione straordinaria, gestendo sia l’eccitazione che il profondo dolore, e condividendo un’alchimia vocale estremamente piacevole. Il tema dell’amore tenero e contrastante tra Amina ed Elvino offre a Bellini l’opportunità di mettere in mostra il suo talento lirico: la tipica lunghezza dell’arco melodico si fonde naturalmente con il soggetto, in un movimento languido e sconclusionato che Alexandra Nowakowski incarna con grazia e naturalezza.

Nel frattempo, l’orchestra accompagna la voce con ammirevole semplicità sotto la forte direzione di Riccardo Frizza. Una menzione speciale agli archi che seguono perfettamente la voce principale di Amina, aiutando il pubblico a riconoscerla durante il quintetto alla fine del primo atto. L’opera culmina in una delle arie per soprano più sublimi, la celebre “Ah, non credea mirarti”, che Amina canta in una scena di sonnambulismo; la cantante ha dimostrato il suo talento, espandendo la sua voce su diversi livelli con molteplici sfumature e altezze con una facilità sconcertante. La fluidità delle sue transizioni minore/maggiore e la potenza delle sue note sostenute dimostrano un’estensione vocale che delizia il pubblico. Per la sua unica data, e il suo debutto al MET, Alexandra Nowakowski ha offerto un’interpretazione potente, con emozioni crude, umorismo e voce pura: si è dimostrata pienamente degna di questa importante parte classica, che ora può possedere con orgoglio.

L’ambientazione è un villaggio nelle Alpi svizzere, un luogo volutamente fiabesco ma plausibile che riflette l’equilibrio tra realtà e sogno della storia. Johannes Leiacker (scenografo) ha scelto uno sfondo semplice ma simbolico, con un muro bianco che incornicia la scena, punteggiato da porte bianche che si aprono e si chiudono regolarmente, consentendo ingressi e uscite dinamici. Il muro è a mezza altezza, quindi può interagire con il palco superiore e la piattaforma che simboleggiano le montagne circostanti. L’elemento di disturbo, il conte, arriva da questa posizione, usando una scala che sembra essere l’unico modo per entrare o uscire da questa comunità chiusa: infatti, tutte le porte conducono a stanze e sembrano comunicare, creando una sensazione di isolamento e isolamento.

Le splendide opere di luce di Donald Holder giocano su toni freddi, dal blu al bianco quando i confini tra il sogno e il mondo reale diventano indefiniti e tornano in toni più caldi ogni volta che dovremmo trovarci nel mondo reale. Le luci intense contrastano nettamente con i colori della scenografia (per lo più bianchi) e con i costumi (di Brigitte Reiffenstuel), ispirati alla congregazione puritana, quindi prevalentemente neri con leggeri tocchi di bianco. Tutti questi dettagli sottolineavano la severità di una bussola morale, tra bianco e nero, bene e male: una bussola morale messa alla prova da una situazione insolita, nuova e incomprensibile, completamente fuori dall’ordinario.

Non possiamo non menzionare il divertente colpo di scena finale dell’opera, dove invece di assistere alla riconciliazione tra i due amanti e al loro matrimonio, Amina abbraccia la sua ex rivale, Liza, e lascia il villaggio con la scala, lasciando Elvino sbalordito. In effetti, in questa produzione, Rolando Villazón (celebre tenore che ha intrapreso una nuova carriera come regista) porta umorismo, leggerezza e una rivisitazione moderna di questa storia, mettendo in scena donne esigenti, con un orgoglio che non tollera gli uomini, senza fede: dai bambini che corrono intorno ad Amina nelle prime scene e sfidano il maestro Alessio, ad Amina che sceglie se stessa alla fine, tornando al suo strano doppio, materializzato sul palco da un’enigmatica ballerina.

La produzione include forti protagoniste femminili come Teresa (Deborah Nansteel) e Liza (Sydney Mancalosa), che impongono le proprie scelte. Rolando Villazón usa l’aria finale come dimostrazione della personalità emergente di una giovane ragazza, che sfugge a un ambiente ristretto e trova la propria strada. Pertanto, l’intera ambientazione, in un villaggio conservatore e isolato, vuole rappresentare una comunità oppressiva, pronta a giudicare e condannare, come mostrato alla fine del primo atto, quando la rifiutano simbolicamente disegnando una croce nera sulla sua porta bianca come punizione per aver perso la virtù.

Per concludere, questa storia è perfettamente rappresentata, in una scena di grandi dimensioni che rende giustizia alla bellezza della scenografia e al romanticismo di questa produzione. Gli artisti che si sono esibiti nella serata cui ho assistito, soprattutto gli interpreti nei ruoli di Amina ed Elvino, sono stati così pieni di precisione e purezza che mi ritengo fortunata ad avere scelto una data con questo cast. La scommessa dell’interpretazione di Villazón alleggerisce l’atmosfera e porta risate e dinamismo a un primo atto un po’ lento, trascinato da lunghe arie. Il secondo atto sembrava quasi affrettato, ma la conclusione offre spunti di riflessione e l’ovazione unanime alla fine dell’opera parla finalmente da sola.

Recensione di Aurélie Chaffin
The Metropolitan Opera, New York 14 ottobre 2025
Foto Marty Sohl – The Met Opera

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ENGLISH

Based on the french dramatist Eugène Scribe libretto, La Sonnambula is one the most accomplished opera of Bellini: this Sicilian composer use his extraordinary gift for melody and a thorough understanding of the human voice to tell an enigmatic love story, between dream, reality, honesty, jealousy and quiproquo. 

A young girl, Amina is engaged to Elvino and their wedding happens to delight the whole village, except for Liza, who’s also in love with Elvino. The story seems done when Count Rodolfo arrives: Amina, unknowingly sleepwalking, finds him in the night and talks to him about the joy she has to marry him, mistaking him with her fiancé. He ends up leaving her alone to resist the temptation of kissing her, but covers her with his robe: the village, finding her in this compromising position, condemn her, and Elvino breaks their engagement. He’s about to marry Liza when the Count comes back to reveal what really happened, and the opera ends on Amina sleepwalking in front of everyone, crying over the loss of her fiancé, before he wakes her up and gives her back her engagement ring, closing the drama with a new promise and a happy ending. 

This opera is presenting an interesting new twist to the tradition of quiproquo: here, the communication can not clear the air, given the fact that Amina herself can not explain what happens, and therefore justify her innocence and prove her virtue. It allows absolutely breathtaking vocal duets, with a beautiful contrast between the love song of Act 1, Son geloso del zefiro errante (I’m jealous of the lost zephyr) that stands on mutual understanding and complicity, and the heartbreaking Tutto è sciolto (everything is undone) of the second act, where the melodic lines separate and fail to converge, leading to Elvino’s aria.

Lawrence Brownlee and Alexandra Nowakowski deliver an amazing performance, handling either excitement and deep pain, and sharing a vocal chemistry highly enjoyable. The theme of tender and contrasting love between Amina and Elvino gives Bellini the opportunity to showcase his lyrical talent: the typical length of the melodic arc blends naturally with the subject matter, in a languid and rambling movement that Alexandra Nowakowski embodies with grace and natural ease. 

Meanwhile the orchestra accompanies the voice with admirable simplicity under the strong direction of Riccardo Frizza. Special mention to the strings that follow the lead voice of Amina perfectly, helping the audience to spot her during the quintet at the end of Act I. The opera culminates in one of the most sublime soprano arias, the famous Ah, non credea mirarti (Ah, I didn’t plan on seeing you) which Amina sings in a sleepwalking scene the singer proved her talent, expanding her voice on different levels with lots of nuances and pitches with disconcerting ease. The fluidity of her minor/major transitions and the power of her sustained notes demonstrate a vocal range that delights the audience. For her only date, and her debut in the MET, Alexandra Nowakowski delivered a powerful performance, with raw emotions, humor and pure voice: she proved herself completely worthy of this major classical part, that she can now own with pride. 

The setting is in a village in the Swiss Alps, serving as a deliberately fabled yet plausible location that reflects the story’s balance between reality and dream. Johannes Leiacker (set designer) chose a simple but symbolic background, with a white wall framing the scene, punctuated by white doors that open and close regularly, allowing dynamic entrance and exits. The wall is midheight, therefore he can play with the upper stage and platform symbolizing the mountains around it. The disturbing element, the count, arrives this way, using a ladder that seems to be the only way to enter or exit this close community: indeed, all the doors lead to rooms and seem to communicate, creating a feeling of confinement and insularity.

The beautiful light works of Donald Holder play on cold tones, from blue to white when the borders between the dream and the real world become unclear and come back in warmer tones every time we are supposed to stand in the real world. The harsh lights contrast sharply with the colors of the set (mostly white) and the costumes (by Brigitte Reiffenstuel), based on the Puritan congregation, so mostly black with light touches of white. All of those details emphasized the severity of a moral compass, between black and white, good and bad, moral compass that is challenged by an unusual, new and incomprehensible situation, completely out of the ordinary. 

We do have to mention the amusing twist at the end of the opera, where instead of seeing the reconciliation between the two lovers and their wedding finally happening, Amina hugged her former rival, Liza and left the village with the ladder, leaving Elvino stunned behind her. Indeed, in this production, Rolando Villazón (famous tenor who has embarked on a brilliant second career as a director) brings humor, lightness and a modern take on this story, setting demanding women, with a pride that doesn’t tolerate men lake of faith: from the children running around Amina in the first scenes and braving the teacher Alessio, to Amina choosing herself at the end by going back to her strange double, materialized on stage by an enigmatic dancer.

The production includes strong female leads like Teresa (Deborah Nansteel) and Liza (Sydney Mancalosa) imposing their own choices. Rolando Villazón uses the final aria as a demonstration of a young girl’s emerging personality, that escapes a confined environment and finds her own way. Therefore, the whole setting, in a conservative and insular village is meant to represent an oppressive community that is quick to judge and condemn, as shown in the end of the first act, when they symbolically reject her by drawing a black cross on her white door as a punishment for losing her virtue. 

To conclude, this story is perfectly brought to life, in a large scene that does justice to the beauty of the set design and the romanticism of this production. The artists who performed on the evening I attended, especially the interpreters of the roles of Amina and Elvino, were so full of precision and purity that I consider myself fortunate to have chosen a date with this cast. The wager of Villazón’s interpretation lightens the mood and brings laughter and dynamic to a first act a bit slow, dragged down by long arias. The second act almost seemed rushed, but the conclusion gives something to talk about and the unanimous ovation at the end of the play finally talks for itself. 

Review by Aurélie Chaffin
The Metropolitan Opera, New York October 14, 2025
Ph Marty Sohl – The Met Opera

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