Di Aurélie Chaffin. New York, James Earl Jones Theatre: uno dei più grandi successi off-Broadway. Un’opera teatrale sulle donne, realizzata da donne e rivolta a tutti.

Liberation ha debuttato off-Broadway al Laura Pels Theatre nel febbraio 2025, sotto la direzione di Whitney White, per poi essere trasferito a Broadway nell’ottobre 2025 al James Earl Jones Theatre. Da allora, è stato rappresentato sei volte a settimana, registrando il tutto esaurito e ricevendo consensi unanimi da pubblico e critica.

Con questa pièce, Bess Wohl porta il teatro a una nuova dimensione interpersonale: racconta con sincerità e forza una storia che si sviluppa su molteplici livelli metateatrali. Ambientata nell’Ohio nel 1970, la pièce si apre nel seminterrato di un liceo dove Lizzie, la protagonista interpretata da Susannah Flood, convoca un gruppo di donne per spingerle a una presa di coscienza. L’azione continua a oscillare tra le sue attività con questo gruppo negli anni ’70 e il presente, dove sua figlia, senza nome e interpretata dalla stessa attrice, cerca di ripercorrere il passato radicale della madre dopo la sua morte. Strutturata come un gioco di memoria, la narrazione si muove fluidamente tra passato e presente: Susannah Flood inizia rivolgendosi direttamente al pubblico con fare d’attrice comica, inizialmente nel ruolo della figlia, prima di passare a interpretarne la madre, negli anni ’70. È lei a dettare il tono nel resto della pièce, tra umorismo tagliente, connessione con il pubblico e profonda sensibilità.

Sei personaggi principali si evolvono sul palco, donne con percorsi e background diversi alla ricerca del «to raise consciousness» durante i loro incontri settimanali: Lizzie (Susannah Flood), una giornalista che ha fondato questo gruppo femminista radicale; Margie (Betsy Aidem), la casalinga sessantenne che cerca di convivere con il marito sempre a casa; Dora (Audrey Corsa) una giovane segretaria che sogna una carriera; Celeste (Kristolyn Lloyd) una donna di colore che ha dovuto interrompere la sua vita lavorativa a New York per tornare a casa adolescente dalla madre malata; Susan (Adina Verson), persa nella sua vita dopo essere fuggita da una famiglia violenta e che attualmente dorme nella sua automobile; e Isidora (Irene Sofia Lucio), la donna italiana sposatasi per avere la green card, che sogna la libertà. Nessuno di loro ha molte azioni sul palco, la protesta e gli altri eventi accadono ogni volta fuori scena: invece, parleranno di ogni argomento, dandosi consigli o ammonimenti a vicenda, ma soprattutto, lasciandosi lo spazio per parlare. Lo scopo dello spettacolo sembra essere quello di reintrodurre conversazioni civili e dibattiti calmi nel teatro e nella società in generale, e di mostrare che, come dice Celeste, «una donna che parla senza essere interrotta è un atto radicale».

Come ha detto la drammaturga Bess Wohl, si tratta di un’opera ambiziosa: «È composta da due atti, c’è un intervallo, ci sono sette donne (sei delle quali si spogliano completamente) […] Questa non è l’opera che si scrive se si vuole solo essere messi in scena». E in effetti, l’opera assume forti posizioni politiche, con un cast e un team creativo prevalentemente femminili. La collaborazione tra Wohl e Whitney White, regista pluripremiata, fornisce a questo progetto una solida base su cui le sette attrici possono far sbocciare e brillare i loro personaggi.

Inoltre, hanno fatto una scommessa, chiudendo i telefoni del pubblico in un sacchetto sigillato per tutta la durata dello spettacolo. Pensata principalmente per proteggere la privacy delle attrici, che si spogliano completamente nude sul palco, questa misura contribuisce anche al loro desiderio di rendere queste due ore di teatro un’esperienza comunitaria, in cui il pubblico è invitato a discutere e condividere i propri sentimenti come gruppo. E funziona! Improvvisamente, quasi tutti si rivolgono ai propri vicini, iniziando a conoscere le persone con cui condividono un momento reale. In questo modo il pubblico si immerge completamente nella ricerca della figlia di Lizzie: cosa è successo? Chiede. Come sua madre, che guidava un gruppo femminista radicale, è finita nel matrimonio tradizionale con due figli, come l’aveva sempre conosciuta? Dora (Irene Sofia Lucio), un’amica della madre che è stata interrogata in seguito dalla figlia, dirà: «Siamo rimasti in mezzo alla strada. Non siamo andati abbastanza lontano».

Per aver sollevato fatti reali e interrogativi politici sul ruolo delle donne in questa società e sull’evoluzione dei loro diritti negli Stati Uniti, questa pièce non rientra nella categoria abrasiva dei manifesti: sembra rimanere sul sottile confine tra tenerezza e rivendicazione. Alla fine, l’opera riflette i personaggi stessi: mentre si incolpano a vicenda per «volere una rivoluzione ma non voler perdere nulla per ottenerla», comprendiamo in questa tavolozza contrastata e sottile la complessità di combinare le istanze femministe, o persino anti-patriarcali, con la vita quotidiana, tra i suoi figli, suo marito, le sue relazioni sentimentali e il suo lavoro.

La scrittura e la regia uniscono le forze con una scenografia semplice ma potente (di Davic Zinn): colori vivaci e caldi ricordano al pubblico l’estetica degli anni ’70 e ogni ritorno al presente è simboleggiato dalla rottura della quarta parete, luci crude e fredde (di Cha See) e un timer sul tabellone segnapunti. Tutto ciò aiuta il pubblico a comprendere questo continuo avanti e indietro tra passato e presente, anche quando alcuni attori assumono il ruolo di Lizzie, così che la figlia possa guardare o interagire con la madre : Betsy Aidem, che interpreta la madre durante l’unica interazione fantasticata tra la figlia e la madre alla fine, farà commuovere anche il pubblico più duro.

La liberazione, Liberation, è ciò che accade quando le donne parlano e scrivono di donne: nessuna di queste storie, nessuna delle donne rappresentate è superiore alle altre, nessuna di queste linee narrative sembra giusta o sbagliata. Bess Wohl ha padroneggiato la difficile sfida di come collegare un vecchio movimento femminista ai nostri tempi, senza essere caricaturale, senza biasimarle. Usa il rapporto madre-figlia per esprimere le diverse emozioni che le donne di oggi possono provare nei confronti di chi le ha precedute, dall’orgoglio all’inganno. Susannah Flood rende giustizia al potente testo e porta il pubblico con sé in questo difficile viaggio di lutto per una madre che non è più sicura di comprendere, pur sentendosi più vicina a lei di quanto non lo sia mai stata. Il mix tra dichiarazioni politiche e interazioni interpersonali permette allo spettacolo di essere uno specchio realistico tenuto davanti al pubblico, che può facilmente immedesimarsi nei profondi sentimenti espressi sul palco.

Questo è un bellissimo tributo alle donne che ci hanno preceduto e a quelle che verranno: Liberation offre la fantastica speranza che tutto sia possibile d’ora in poi, costringendo al contempo il pubblico a guardare alla storia e a chiedersi cosa sia andato storto. Un’opera imperdibile, il tipo di spettacolo che vi accompagnerebbe attraverso l’intero spettro emotivo e vi farebbe riflettere su ciò che sta accadendo nella vita delle donne a voi vicine. Grazie a questa pluralità di donne che seguono il proprio percorso e alla potente sensibilità che emerge dalla loro conversione, ogni membro del pubblico può sentirsi coinvolto e, per citare l’opera, «Ogni storia è una rottura nel muro».

Recensione di Aurélie Chaffin
New York, James Earl Jones Theatre 12 novembre 2025
Foto dalla pag Facebook del Teatro

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ENGLISH

A play about women, by women, and for every one to see.

Liberation premiered off-Broadway at the Laura Pels Theatre in February 2025, under the direction of Whitney White, and was transferred to Broadway in October 2025 at the James Earl Jones Theatre. Since then, it’s been performed six times a week to sold-out audiences and receives unanimous acclaim from audiences and critics alike.

With this play, Bess Wohl brings theater to a new interpersonal dimension : she tells with sincerity and strength a story that spreads on multiple metatheatrical levels. Set in Ohio in 1970, the play opens in a high-school basement where Lizzie, main character interpreted by Susannah Flood, convenes a consciousness-raising group of women. The action keeps coming back and forth between her actions with this group in the 70’ et the present time where her daughter, unnamed and played by the same actress, tries to retrace her mother’s radical past after she died. Structured as a memory play, the narrative shifts fluidly between past and present : Susannah Flood begins by directly addressing the audience, as a comic would do, in the position of the daughter, before shifting to play her own mother in the 70’s.  She sets the tone for the rest of the play, between sharp humor, connection to the audience and deep sensitivity.

Six main characters are evolving on stage, women with different paths and backgrounds who are trying to “raise consciousness” during their weekly meetings : Lizzie (Susannah Flood), a journalist who initiate this radical feminist group; Margie (Betsy Aidem), the sixty-year-old housewife who is trying to cope with her husband being constantly at home; Dora (Audrey Corsa) a young secretary who dream of a career; Celeste (Kristolyn Lloyd) a black woman who had to stop her New-York work life to come home teen to her sick mother; Susan (Adina Verson), lost in her life after escaping her abusive family and currently sleeping in her car; and Isidora (Irene Sofia Lucio), the Italian woman married for the greencard, who dream of freedom. All of them are not doing much action on stage, the protest and others events are happening off-stage every time : instead, they are going to talk about every subject, giving each other advices or admonitions but most of all, giving each other the space to talk. The point of the play seems to be reintroducing civil conversations and calm debates in theater and in the society in general, and to show that, as Celeste says, “a woman speaking uninterrupted is a radical act”.

As Bess Wohl, the playwright said, it’s an ambitious play : “It’s two acts, there’s an intermission, there’s seven women in it (six of them get completely naked) […] This is not the play that you write if you clinically just want to get produced”. And indeed, the play takes some strong political stances, with a predominantly female cast and creative team. The partnership between Wohl and Whitney White, an awarded director, gives this project a strong ground, on which the seven actresses can bloom and radiate.

Beside, they took a bet, by locking the audience’s phones in a sealed bag for the duration of the show. Primarily intended to protect the privacy of the actresses, who strip completely naked on stage, this measure also contributes to their desire to make these two hours of theater a communal experience, where the audience is invited to discuss and share their feelings as a group. And it’s working ! Suddenly, almost everyone is turning to their neighbours, starting to know the people they’re sharing a real moment with. This way makes the audience completely immersed in Lizzie’s daughter quest : What happened ? She asks. How her mom, who led a radical feminist group, ended up in the traditional marriage with two kids as she always knew her ? Dora (Irene Sofia Lucio), a friend of the mother who was questioned later by the daughter, will say : “We stay in the middle of the road. We didn’t go far enough”.

For raising real facts and political questions on the place of women in this society and on the evolution of their rights in the United States, this play doesn’t fall in the abrasive category of protesters : it seems to stay on the fine line between tenderness and claim. In the end, the play reflects the characters themselves : as they are blaming each other to “want a revolution but don’t want to lose anything to get it”, we understand in this contrasted and subtle painting the complexity of combining feminist, or even anti-patriarchal, demands with everyday life, between her children, her husband, her romantic relationships, and her work.

The writing and the directing joins forces with a simple but powerful scenic design (by Davic Zinn) : bright, warm colours  remind the audience of the 70’s aesthetic and every comeback to the present times is symbolized by a break of the fourth wall, crude, cold lights (by Cha See) and a timer on the scoreboard. All of this help the audience understand this constant back and forth between past and present times, even when some actors take the role of Lizzie, so the daughter can watch or so she can interact with her mother. Betsy Aidem, playing the mother during the only daughter-mother fantasized interaction at the end, will bring tears to the toughest crowd.

Liberation is what happens when women talk and write about women : none of these stories, none of the women represented is above another, none of those narrative lines feels right or wrong. Bess Wohl has mastered the tricky challenge of how to link an old feminist movement to our time, without being caricatural,  without blaming them. She uses the mother-daughter relationship to express different emotions women of today can feel towards those who came before, from pride to deception. Susannah Flood does justice to the powerful text, and  takes the audience with her on this difficult journey of grieving a mother she’s not sure to understand anymore while feeling closer to her than she’s ever been. The mix between political statements and interpersonal interactions allows the play to be a realistic mirror held up to the audience, who can easily relate to the deep feelings expressed on stage.

This is a beautiful tribute to the women who came before us, and the ones who are coming : Liberation gives you the fabulous hope that everything is possible from now on, while forcing the audience to look at the history and wonder what went wrong. A must-see, the kind of play that would take you through the all emotional spectrum and leave you reflecting on what’s happening in the life of the women close to you. Thanks to this plurality of women following their own path, and the powerful sensibility emerging from their conversion, every member of the audience can feel involved and to quote the play, “Every story is a break on the wall”

Review by Aurélie Chaffin
New York, James Earl Jones Theatre, November 12, 2025
Photo from the theater’s Facebook page

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