Intervista a cura di Diego Tripodi.

Dopo averli incontrati al Festival Trame Sonore di Mantova, abbiamo fatto alcune domande ai musicisti del trio britannico – formato dalla violinista finlandese Tuulia Hero, dal violoncellista irlandese Patrick Moriarty e dalla pianista statunitense Stephanie Tang –  ricevendo risposte molto interessanti e che vanno a completare l’immagine già delineata nella nostra recensione alle loro tre esibizioni mantovane (leggi qui).

Cominciamo dall’inizio. Sul vostro sito raccontate che il nome del trio ricorda il luogo in cui vi siete conosciuti per la prima volta: la stazione londinese di Paddington. Ma come sono andate davvero le cose? Tre perfetti sconosciuti si sono incontrati per caso su una banchina, si sono incrociati con lo sguardo e hanno deciso di formare un trio?

Non è una storia così cinematografica, ma ha un fascino tutto suo. Tuulia e Stephanie si erano appena trasferite a Londra e, come accade a tanti nuovi arrivati, si erano completamente perse nel Barbican. Stavamo chiedendo indicazioni alla stessa persona, ci siamo rese conto di essere entrambe nuove in città, ci siamo riviste il giorno successivo e abbiamo scoperto quasi subito di voler suonare insieme.

Quando abbiamo iniziato a cercare un violoncellista, ogni conversazione sembrava portarci a Patrick. Ci siamo incontrati per la prima volta e abbiamo suonato il Primo Trio per pianoforte di Beethoven. Fin da quel momento abbiamo avuto l’impressione immediata di parlare la stessa lingua musicale. In realtà non c’è mai stata una vera conversazione sul diventare un ensemble stabile: l’intesa, l’impegno e l’amore condiviso per questo repertorio erano semplicemente presenti fin dalla prima prova.

Quindi no, non ci siamo conosciuti davvero alla stazione di Paddington. Ma, provenendo rispettivamente dalla Finlandia, dall’Irlanda e dagli Stati Uniti, siamo arrivati tutti a Londra con il desiderio di farne la nostra casa. È qui che forse ci ha ispirati la celebre storia dell’orso Paddington. Come lui, abbiamo scelto di prendere il nostro nome dal luogo che ha segnato l’inizio del nostro viaggio: il primo viaggio in treno insieme, dalla stazione di Paddington al nostro primo concerto come trio.

Una delle caratteristiche più sorprendenti delle vostre esibizioni è che ciascuno di voi è uno strumentista di altissimo livello, eppure riuscite a mettere in luce le vostre individualità senza alterare il notevole equilibrio dell’ensemble. Sembra quasi un gioco di prestigio. Come ci riuscite? Quanto nasce spontaneamente e quanto è invece il risultato di un lavoro consapevole sulle vostre parti?

Ci hanno sempre detto che i grandi ensemble sono grandi fin dall’inizio. E, se è vero che la chimica necessaria per fare questo mestiere è qualcosa che non si può costruire artificialmente, tutto ciò che abbiamo sviluppato dopo è stato il frutto di un lavoro estremamente consapevole. Fin dall’inizio volevamo costruire un’identità artistica condivisa che andasse ben oltre le nostre inclinazioni, già naturalmente complementari.

I due archi lavorano dapprima insieme, registrandosi continuamente e affinando intonazione e qualità del suono. Quando proviamo tutti e tre, quelle fondamenta sono già solide e questo ci permette di concentrarci fin dalla prima prova sull’idea complessiva di ciò che vogliamo costruire.

Ciò che ci entusiasma di più è scoprire come le nostre personalità, così come quelle dei nostri strumenti, possano completarsi a vicenda. Proprio perché il lavoro degli archi è già così omogeneo, siamo liberi di esplorare tutti i modi in cui pianoforte e archi possono sfidarsi, ispirarsi e rispondersi reciprocamente con la massima fantasia. Forse è proprio questo che il pubblico percepisce: c’è una qualità speciale nel nostro modo di suonare insieme, qualcosa di immediato che ancora oggi non sappiamo davvero spiegare. Ma tutto ciò che è nato da quell’intesa è stato costruito insieme, con grande cura.

Immagino che ogni nuovo brano richieda un approccio diverso. Detto questo, con gli anni, avete sviluppato una sorta di “ricetta Paddington”, un metodo di lavoro al quale tornate istintivamente? Sempre ammesso, naturalmente, che non sia un segreto ben custodito!

Nel corso degli anni abbiamo sperimentato molte tecniche di prova diverse, ma abbiamo scoperto che registrare noi stessi è fondamentale per portare un brano al livello qualitativo che ci aspettiamo. È qualcosa che non saltiamo mai.

Spesso registriamo un movimento con l’obiettivo di individuare i passaggi che ancora non ci convincono del tutto (e, di solito, sappiamo già quali sono…). Poi registriamo di nuovo quei punti e li riascoltiamo insieme per capire quali soluzioni possiamo trovare per migliorarli. Molto spesso non esiste un’unica soluzione: è la combinazione delle idee di tutti e tre a dare vita alla versione che ci convince di più.

E poi, naturalmente, al concerto successivo capita spesso di sentirci particolarmente spontanei o ispirati e di provare qualcosa di completamente diverso. Tutto questo ci aiuta a trovare la massima libertà sul palco quando conta davvero: è un processo estremamente fluido.

Per quanto riguarda il metodo di lavoro, in questo periodo stiamo preparando l’integrale dei Trii di Beethoven (i sette trii più le Variazioni Kakadu) e osservare l’evoluzione della nostra “ricetta Paddington” è stato davvero affascinante. Uno dei primi lavori che abbiamo studiato è stato il Trio op.1 n.1 e tornare a guardarlo con occhi nuovi, dopo cinque anni senza averlo suonato, è stato incredibilmente gratificante. È interessante vedere che cosa oggi ci risulti più naturale e che cosa continui invece a rappresentare una sfida.

È stato anche un privilegio seguire l’evoluzione dello stile compositivo di Beethoven dall’ Op.1 all’ Op.97: ogni trio è profondamente diverso dagli altri e ci sentiamo davvero fortunati a poter suonare un repertorio del quale è impossibile stancarsi.

A Mantova, a Trame Sonore, quattro dei sei compositori presenti nei vostri programmi erano contemporanei. A me sembra che questa sorpresa dica più dell’Italia che di voi: da noi la musica contemporanea continua a essere guardata, troppo spesso e con molti pregiudizi, come un territorio riservato agli specialisti. Eppure il vostro impegno nei suoi confronti appare particolarmente convinto. Da dove nasce e perché lo ritenete importante?

Il Festival di Mantova è stato un contesto davvero speciale per noi, perché ci ha dato la possibilità di fare qualcosa che raramente possiamo permetterci: presentare un intero programma dedicato alla musica contemporanea. Il concerto con musiche di Lotta Wennäkoski, Ellen Lindquist e Sam Perkin è nato in stretta collaborazione con il festival e siamo stati molto grati per la fiducia e l’apertura che hanno reso possibile questo progetto.

Nei nostri programmi abituali inseriamo più spesso un’opera contemporanea accanto a pagine del repertorio consolidato, ad esempio affiancando Andrea Tarrodi a Ravel. È un modo efficace per mostrare che la musica nuova non è separata dalla tradizione, ma fa parte della stessa conversazione viva.

Il nostro interesse nasce in parte dalla curiosità e in parte da una convinzione profonda. Siamo piuttosto selettivi nella scelta della musica contemporanea che eseguiamo: deve essere musica nella quale crediamo davvero, non qualcosa inserito semplicemente perché è nuovo. Ci sentiamo fortunati a vivere in quella che, ai nostri occhi, è una vera età dell’oro della musica contemporanea, nella quale i compositori possiedono voci estremamente personali e non sono vincolati a un unico stile dominante o a una moda del momento.

Per noi è importante anche che questi lavori abbiano una vita che vada oltre una prima esecuzione o un’unica occasione concertistica. Troppo spesso i brani contemporanei vengono eseguiti una sola volta e poi scompaiono. Quando scegliamo un’opera in cui crediamo, vogliamo mantenerla nel nostro repertorio, riproporla nel corso di una stagione e permetterle di crescere insieme a noi, proprio come accade ai lavori di Beethoven, Ravel o Schubert attraverso esecuzioni successive.

Forse non è un caso che il vostro primo progetto discografico, ‘Freakshow’, in uscita il prossimo anno, sia costruito attorno all’omonimo lavoro di Sam Perkin. A me questa scelta sembra raccontare molto della vostra identità artistica. Perché iniziare da lì e non, per esempio, da Beethoven?

Non la vediamo come una scelta di Freakshow al posto di Beethoven. Amiamo profondamente i Trii per pianoforte di Beethoven e speriamo davvero di poter registrare l’integrale in futuro. Per noi si trattava piuttosto di scegliere il programma che meglio rappresentasse il nostro ensemble in questa fase del suo percorso.

L’album riunisce Freakshow di Sam Perkin con i due Trii per pianoforte di Dmitrij Šostakovič.
Il Secondo Trio di Šostakovič è stato uno dei primi lavori che abbiamo studiato insieme ed è rimasto uno dei nostri brani preferiti da eseguire. Anzi, quando abbiamo iniziato a parlare della possibilità di incidere un disco, i primi due lavori sui quali ci siamo trovati immediatamente d’accordo sono stati proprio il Secondo Trio di Šostakovič e Freakshow. Entrambi sono diventati centrali per la nostra identità, sebbene in modi molto diversi.

Abbiamo avuto la fortuna di collaborare strettamente con Sam Perkin durante tutto il percorso di Freakshow e averlo con noi in studio di registrazione è stata un’esperienza davvero speciale. Poter discutere direttamente con il compositore le nostre idee mentre registravamo ha aggiunto una dimensione ulteriore al processo. Ci è sembrato il modo più sincero e autentico per presentare il Paddington Trio attraverso un disco.

Infine, ai giovani musicisti viene quasi sempre chiesto quali traguardi sperino di raggiungere in futuro. Ma dal momento che voi avete già collezionato risultati notevoli e il vostro calendario concertistico è già magnificamente fitto, vorrei concludere con una domanda un po’ insolita: c’è qualcosa che il Paddington Trio può già dire con certezza di non voler trovare nel proprio futuro?

Nel nostro mestiere è pericoloso dire “mai”, perché non si può sapere quale repertorio o quali collaborazioni potranno ispirarci tra dieci anni. Ma c’è una cosa che vorremmo certamente evitare: diventare prevedibili. Speriamo che il pubblico possa continuare a essere, almeno un po’, sorpreso da ciò che sceglieremo di esplorare in futuro.

Intervista di Diego Tripodi, giugno 2026
Foto: D.G.

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INTERVIEW WITH THE PADDINGTON TRIO
by Diego Tripodi

We met the Paddington Trio – formed by Finnish violinist Tuulia Hero, Irish cellist Patrick Moriarty and American pianist Stephanie Tang – at the Trame Sonore Festival and took the opportunity to ask them a few questions. Their thoughtful and generous answers offer further insight into the ensemble, complementing the portrait that emerged from our review of their three performances in Mantua (read it here).

Let’s start at the beginning. According to your website, your name commemorates the place where the three of you first met: London’s Paddington Station. But what really happened? Did three complete strangers simply meet by chance on a station platform, catch one another’s eye, and decide to form a trio?

Not quite so cinematic, but it’s a story with its own kind of charm. Tuulia and Stephanie had both just moved to London and, as so many newcomers do, found ourselves hopelessly lost in the Barbican. We were asking the same person for directions, realised we were both new to the city, met the following day, and very quickly discovered that we wanted to play together.

When we started looking for a cellist, every conversation seemed to lead us to Patrick. We met for the first time and played Beethoven’s First Piano Trio. From that very first time, there was an immediate sense that we were speaking the same musical language. We never really had a conversation about becoming a long-term ensemble: the connection, commitment, and shared love of the repertoire were simply there from that very first rehearsal.

So no, we didn’t actually meet at Paddington Station. But as musicians from Finland, Ireland, and the United States, we all arrived in London looking to make it our home. That’s where the famous story of Paddington Bear perhaps inspired us. Like Paddington, we took our name from the place that marked the beginning of our journey: our first train journey together from Paddington Station to our very first concert as a trio.

One of the most striking things about your performances is that each of you is an exceptional instrumentalist, yet you manage to showcase your individual virtuosity without ever disturbing the ensemble’s remarkable balance. It almost feels like sleight of hand. How do you achieve it? How much comes naturally, and how much is the result of conscious work on each of your parts?

What we always heard is that the great ensembles are great from the very beginning. But while the chemistry needed for this job is quite impossible to manufacture, everything we’ve built afterwards has been the result of very deliberate work. From the start, we wanted to build a shared artistic identity that went far beyond our quite naturally complimentary instincts. The two string players work together first, constantly recording and refining intonation and sound. By the time all three of us rehearse, that foundation is already in place, allowing us to focus from the very first rehearsal on the real picture of what we would like to craft.

What we enjoy most is discovering how both our distinct personalities and those of our instruments can complement one another. Because the string playing is already so unified, we’re free to explore how piano and strings can challenge, inspire, and respond to each other in the most imaginative ways. Perhaps that’s what our audience can recognise: there is a special quality to us playing together that was and is immediate and which we really can’t explain, but everything that has flown from that place has been both built together and with care.

I imagine that every new piece you take on demands a different approach. Even so, over the years have you developed something like a “Paddington recipe”, a way of working that you instinctively fall back on? Assuming, of course, that it isn’t a closely guarded secret!

Over the years, we have experimented with many different rehearsal techniques, but we have found that self-recording is crucial in bringing a piece up to our standards. It’s something that we never skip. We often record a movement with the goal of finding sections that we are not yet convinced by (usually we already know where those sections are…). Then we record that bit again and we all listen back to see what solutions we can provide to improve that section. Often times, it’s not just one solution, but a combination of all our ideas that creates the version we find most convincing. And then of course, usually in the next concert, we will feel spontaneous or inspired and try something completely different. This all helps us to find freedom onstage when we need it most, so it’s all a very fluid process!

In terms of approach, we are currently preparing the complete Beethoven Trios (all 7 plus the Kakadu Variations) for concerts and it has been so fascinating to see our “Paddington recipe” history. One of the very first trios we learned was the Op.1 No.1, and to put a new lens on that piece after 5 years of not playing it has been incredibly rewarding. It’s so interesting to see what feels easier and what still feels challenging. And it has been a treat to explore Beethoven’s own development in writing style spanning from Op.1 to Op.97; every trio feels vastly different, and we feel lucky to play such a repertoire that one could never get tired of.

In Mantua, at Trame Sonore, four of the six composers featured in your programmes were contemporary. To me, the surprise says more about Italy than about you: contemporary repertoire is still too often regarded here – with considerable prejudice – as the preserve of specialists. Yet your commitment to it seems especially wholehearted. Where does that commitment come from, and why do you think it matters?

The Mantua Festival was a very special context for us, because it allowed us to do something we do not often get the chance to do: present an entire programme of contemporary works. The concert with music by Lotta Wennäkoski, Ellen Lindquist and Sam Perkin was created in close collaboration with the festival, and we were very grateful for the trust and openness that made that possible.

In our regular programming, we more often place one contemporary work alongside more established repertoire – for example, pairing Andrea Tarrodi with Ravel. That can be a powerful way of showing that new music is not separate from the tradition, but part of the same living conversation.

Our commitment comes partly from curiosity, but also from conviction. We are quite selective about the contemporary music we play: it has to be music we truly believe in, not something included simply because it is new. We feel very lucky to be living in what seems to us a golden age of contemporary music, where composers have such individual voices and are not confined to one dominant style or fashion.

It also matters to us that these works have a life beyond a premiere or a single performance. Too often, contemporary pieces are played once and then disappear. When we take on a work we believe in, we want to keep it in our repertoire, perform it throughout a season, and allow it to grow with us in the same way that Beethoven, Ravel or Schubert grow with repeated performances.

It is perhaps no coincidence that your first recording project, Freakshow, due for release next year, is built around Sam Perkin’s work of the same name. To me, that choice seems to say a great deal about your artistic identity. Why begin there rather than, say, with Beethoven?

We don’t see it as choosing Freakshow instead of Beethoven. We love Beethoven’s Piano Trios, and we very much hope to record the complete cycle in the future. For us, it was about choosing the programme that best represents us as an ensemble at this stage. Our album brings together Sam Perkin’s Freakshow with the two Piano Trios by Dmitri Shostakovich.

Shostakovich’s Second Piano Trio was one of the very first works we learnt together, and it has remained one of our favourite pieces to perform. In fact, when we first started talking about recording an album, the first two works we all agreed on were Shostakovich’s Second Trio and Freakshow. Both have become central to our identity, albeit in very different ways.

We have been very fortunate to work closely with Sam Perkin throughout the life of Freakshow, and having him with us in the recording studio was a very special experience. Being able to discuss ideas directly with the composer as we recorded brought an extra dimension to the process. It felt like the most honest and authentic way to introduce the Paddington Trio on record.

Finally, young musicians are almost always asked what they hope to achieve in the future. But since you have already reached some remarkable milestones and your concert diary is already wonderfully full, let me end with a rather unconventional question instead: is there anything that the Paddington Trio can already say with certainty has no place in its future?

It’s dangerous to say ‘never’ in music because you never know what repertoire or collaborations might inspire you in ten years’ time. But we’d certainly like to avoid becoming predictable. We hope audiences will always be a little surprised by what we choose to explore next.

Interview by Diego Tripodi
June 2026
Foto D.T.

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