recensione
Oh mio terror… dell’ultimo
splende uno speglio in mano e nuovi re s’attergano dentro al cristallo arcano.
Di specchi misteriosi canta nel terz’atto Macbeth,
per mano del librettista Francesco Maria Piave. Parole ispirate al dramma
shakespeariano, attorno alle quali ruota la regia di Elena Barbalich nell’allestimento del Teatro Nacional de Sao Carlos
di Lisbona ora in scena nei Teatri del circuito OperaLombardia e, nello
specifico, al Teatro Grande di Brescia.
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Ci sono registi che possiedono il senso del teatro, altri no. È questo a fare la differenza, e non importa se si tratti di un allestimento classico o “di rottura”. Tale caratteristica – declinata in un’inventiva ostica presso i tradizionalisti, ma indispensabile nei teatri europei – è emersa evidente nel “progetto creativo” su Nabucco firmato da Stefano Ricci e Gianni Forte, duo del teatro di ricerca, insignito del Premio Abbiati che ha sollevato un polverone di pareri discordanti durante il Festival Verdi al Regio di Parma.
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Da sempre si sperimentano nuovi abbinamenti tra atti unici.
Particolarmente azzeccato si è rivelato il dittico che ha debuttato in un nuovo allestimento al Teatro Grande di Brescia nell’ambito di OperaLombardia, e che ha visto “L’heure espagnole” di Maurice Ravel accostata a “Gianni Schicchi” di Giacomo Puccini. Titoli entrambi basati su divertenti dinamiche famigliari, benché siano ovviamente diversi i presupposti.Inoltre, gli atti unici sono accomunati dalla presenza di una morale conclusiva: Boccaccio e le sue argomentazioni amorose per Ravel,
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Visivamente e concettualmente bellissima. Tale si è presentata “Elena” diretta da Davide Livermore andata in scena al Teatro Romano, ultimo titolo dell’Estate teatrale veronese in collaborazione con l’Istituto nazionale del Dramma Antico. In fin dei conti cos’altro serve, a uno spettacolo, oltre la bellezza? In questo caso studiata, motivata, coerente con una lettura rispettosa del lavoro di Euripide. Una bellezza sorprendente e visionaria, sganciata dalle convenzioni;
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Tosca, in uno degli allestimenti di Hugo de Ana meglio riusciti, è l’ultimo titolo della stagione areniana, in scena fino al 6 settembre 2019. Simbolismo, tinte scure, atmosfera intimistica e spiccata drammaticità sono gli elementi che il regista scenografo costumista e curatore delle luci ha magistralmente miscelato fin dalla prima edizione del 2006, con sapienza teatrale e salvaguardando quella grandiosità di cui l’anfiteatro necessita: conciliare due dimensioni opposte come interiorità e spettacolarità non è impresa da poco.
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Uno spettacolo dei Momix è sempre un evento molto atteso dagli estimatori che, in quasi quarant’anni e nei cinque continenti, il gruppo fondato e diretto da Moses Pendleton ha saputo conquistare per aver ideato un nuovo stile a cavallo tra danza, acrobazia, illusione ottica. Giostrando all’interno di questo “marchio di fabbrica”, i Momix donano emozioni attese eppure ogni volta diverse, nel rinnovarsi dell’incantesimo visivo. Corpi destrutturati danno vita a creature fantastiche,
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C’è qualcosa di nuovo oggi in Aida, anzi d’antico. L’allestimento storico, uno dei must del cartellone veronese, quest’anno si presenta in veste rinnovata. Si tratta dello spettacolo debuttato il 10 agosto del 1913 e che, su intuizione del tenore Giovanni Zenatello, dette il via all’uso dell’anfiteatro come palcoscenico lirico. Fu una pietra miliare sotto molti punti di vista perché, nello spazio all’aperto, di fatto si dovette inventare un nuovo modo di concepire la messa in scena anche dal punto di vista tecnico.
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Che la vicenda dei più celebri innamorati della storia si svolga a Verona lo si deduce da un cartello stradale che indica il breve chilometraggio verso Mantova, rifugio del fuggitivo Romeo. Tra i bidoni della periferia cittadina, monta l’instabile tenda una compagnia di girovaghi scalcinati, anch’essi “Nati sotto contraria stella” proprio come Romeo & Giulietta. Il sottotitolo tratto dal prologo shakespeariano accomuna l’incapacità degli uni, al destino avverso degli altri.
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Un uomo bendato viene malmenato e fucilato. È un traditore che ha lasciato l’esercito regolare per unirsi ai ribelli, come di lì a poco farà Don José. Inizia con un flash-back la Carmen firmata da Hugo de Ana. Siamo nel 1930, in piena guerra civile spagnola, nel bel mezzo delle schermaglie tra i repubblicani e i franchisti prossimi a prendere il potere.
Le camionette entrano ed escono tra le barricate,
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Gli schermi laterali, sorretti da strutture poggianti sui dislivelli dei gradoni dell’anfiteatro, hanno inquadrato il backstage. Nel suo camerino Roberto Bolle, intento a sistemarsi davanti allo specchio, si è alzato e ha iniziato a correre per raggiungere il palcoscenico, seguito dalle telecamere finché l’immagine reale si è si sovrapposta a quella virtuale.
Dal buio degli arcovoli alle luci della ribalta. Un’autocitazione del fulmineo tragitto catartico al termine del quale la persona si è trasformata nell’interprete,
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